Es la peor pesadilla de Joey Chestnut.
Los hot dogs, las salchichas e incluso los panecillos más humildes se apoderan del mundo en la grosera serie animada “Sausage Party: Foodtopia” de Prime Video, mientras que “Sunny” de Apple TV+ ofrece algo de qué pensar. Ambos debutan esta semana.
También reseñaremos “Kill”, una película de acción asesina de la India; “Green NBorder”, un intenso drama sobre refugiados; “The Convert”, una apasionante epopeya maorí; y la refrescante “National Anthem”, de temática LGBTQ, un debut destacado de un ex residente de San Ramón.
Aquí está nuestro resumen.
“Fiesta de salchichas: Foodtopia”: La secuela de ocho partes de Prime Video de la vulgar e irreverente película animada de 2016 “Sausage Party” es, como ya habrás adivinado, vulgar e irreverente y está preparada para ofender a todo el mundo, al menos una vez. Pero la comedia con clasificación R también es hilarante, incluso cuando tropieza con su propia crudeza. La premisa parece ser el producto de un escritor que devora demasiados comestibles: los alimentos, desde salchichas hasta naranjas, han arrebatado el control global a los patéticos terrícolas, muchos de los cuales ahora están muertos. Pero este cambio social no viene sin problemas. El caos gobierna la tierra mientras líbidos desenfrenados, partidos gobernantes enfrentados, políticos enloquecidos por el poder y desastres inesperados como tormentas mortales arruinan las cosas para Frank (voz de Seth Rogen), una salchicha; Brenda (Kristen Wiig), un pan; y Barry (Michael Cera), un hot dog. Se enredan entre ellos y también con el estúpido y lujurioso humano Jack (Will Forte) y el déspota Julius (Sam Richardson), un naranja rencoroso y obstinado. Hay paralelismos obvios con el extraño panorama político actual y sus molestos y tempestuosos protagonistas, y la actualidad de eso le agrega picante a “Sausage Party: Foodtopia”. Pero más que nada, es la picardía de la serie, el fantástico elenco vocal y las situaciones ridículas que te hacen reír sin control. Detalles: 3 estrellas de 4; todos los episodios se lanzan el 11 de julio.
“Soleado”: Es fácil suponer que esta alucinante serie de 10 episodios para Apple TV+/A24 con Rashida Jones y Hidetoshi Nishijima de “Drive My Car” busca sacar provecho de nuestros crecientes temores sobre la IA. Pero eso no es lo que la showrunner/productora ejecutiva Katie Robbins busca en esta comedia/drama ambientada en Japón, una adaptación apasionante de la novela de Colin O’Sullivan “The Dark Manual”. Ella ha preparado algo completamente diferente. En esta serie intrigante pero innecesariamente prolongada, una mujer estadounidense que vive en Kioto, Japón, llamada Suzie (Jones) finalmente aprende a confiar en Sunny, un robot sobre ruedas diseñado por su inteligente esposo (Nishijima). La relación entre el robot y el humano evoluciona a medida que Suzie se lamenta y comienza a exigir respuestas sobre lo que les sucedió a su esposo y a su hijo, ambos desaparecidos en un accidente aéreo. La intrépida Suzie, por supuesto, descubre algo grande y siniestro, y su búsqueda de la verdad atrae a su reservada suegra (Judy Ongg) y a una descarada camarera llamada Mixxy (Annie la Torpe). Nunca se sabe exactamente hacia dónde se dirige “Sunny” y eso es bueno. La serie deja la puerta abierta a una segunda temporada y con gusto la atravesaría. Detalles: 3 estrellas; dos episodios se lanzarán el 10 de julio y un episodio cada semana siguiente.
“Matar”: “Seguramente se bajarán de este tren… ¡PERO sólo para su funeral!” Esta declaración rabiosa se escupe en una bola de fuego de pura rabia, al igual que gran parte del diálogo exclamativo, en una acción exagerada y excesivamente violenta importada de la India. Absurda más allá de lo creíble, el guionista y director Nikhil Nagesh Bhat no aplica ningún freno a la acción mientras un grupo de piratas se enfrenta a dos capitanes de comando arrogantes, Amrit Rathod (Lakshya) y Viresh Chatwal (Abishek Chauhan), mientras viajan en un tren que se dirige a toda velocidad hacia Nueva Delhi. Amrit despliega una serie de maniobras acrobáticas creativas y movimientos asesinos para acabar con los viles cretinos a bordo que se aprovechan de su amante enloquecida (Tanya Maniktala), su rica familia y cualquier pasajero despistado que se interponga en su camino. Después de 15 minutos de exposición que te hacen gemir, “Kill” deja ir todo ese bagaje para convertirse en una explosión total mientras presenta un argumento convincente para que Lakshya se convierta en nuestra próxima gran estrella de acción. Detalles: 3 estrellas; en cines ahora.
“Frontera verde”: La directora nominada al Oscar Agnieszka Holland ofrece una perspectiva lúcida sobre la apremiante crisis mundial de refugiados en este drama que lleva el nombre de la pantanosa frontera entre Bielorrusia y Polonia, donde los desplazados van y vienen debido a un sistema fallido. Casi se puede sentir la indignación temblorosa de Holland por las injusticias políticas y sociales involucradas aquí, en particular el hecho de que los humanos desesperados que huyen sean tratados como parásitos. Su ira le da a “Green Border” una determinación férrea y un peso emocional, pero la cineasta de “Europa Europa”, de 75 años, se las arregla para evitar sermonearnos. Ayuda el hecho de que divide su epopeya (2 horas, 32 minutos) en capítulos, cada uno contado desde una perspectiva diferente. Hay una familia desesperada de Siria, un guardia fronterizo inestable que pronto será padre y un maestro solitario convertido en activista. Cada uno de estos personajes viene con una historia de fondo compleja y completamente desarrollada, y cada uno se encuentra hundiéndose cada vez más en un atolladero. “Frontera Verde” cuenta una historia importante y actual que busca despertar al mundo ante la locura de la crisis mundial de refugiados. Detalles: 3½ estrellas; se estrena el 12 de julio en el Roxie de San Francisco y se expande a más cines en las próximas semanas.
“El Converso”: En la apasionante película histórica neozelandesa del siglo XIX de Lee Tamahori, parece que nos estamos quedando atrapados con otra historia de salvadores blancos. Ignoremos eso, ya que el predicador británico de la década de 1830 interpretado por Guy Pearce, Thomas Munro, es un hombre blanco moralmente complejo que se ve atrapado en la mira de dos tribus maoríes enemistadas. La película de Tamahori aborda cómo los indígenas de Nueva Zelanda fueron maltratados y explotados, pero también es un estudio de personajes logrado sobre la difícil situación de tres principios: Munro, la traductora Charlotte Hegarty (Jacqueline McKenzie) y Rangimai (Tioreore Ngatai-Melbourne), una maorí que ha escapado de la muerte y vive con Munro en la ciudad costera británica de Epworth después de que un señor de la guerra matara a su esposo. Es en Epworth donde las hostilidades y el odio hacia los maoríes se vuelven evidentes, e incluso conducen al asesinato. “The Convert” culmina con las dos tribus en guerra enzarzadas en una sangrienta batalla, pero incluso en esa gráfica secuencia Munro participa pero no toma el mando. Esos detalles, junto con las actuaciones (en particular el hábil trabajo de Pearce) y las impresionantes tomas de Nueva Zelanda, hacen de “The Convert” una emocionante evaluación de la rica historia de esa tierra y de cómo los forasteros llegaron allí para dejar su huella. Detalles: 3 estrellas; Se estrena el 12 de julio en cines y está disponible On Demand.
“Himno Nacional”: Dylan (Charlie Plummer, en una interpretación sensible y delicada) siempre ha sido un solitario, que trabaja silenciosamente en trabajos de construcción en varios sitios de Nuevo México cuando no está atendiendo a su hermano menor, ya que su madre suele estar demasiado borracha para hacerlo. La visión del mundo de Dylan se expande con una explosión de colores del arco iris una vez que comienza a trabajar en un rancho queer, la Casa del Esplendor. Es allí, entre competidores de rodeo trans y gays y jinetes, donde encuentra su voz, encuentra el amor y encuentra su propia tribu amorosa y sin prejuicios. El currículum profesional del director y coguionista Luke Gilford (es un fotógrafo estrella) y sus encuentros personales con el rodeo queer le dan a esta ópera prima una sensación de autenticidad, ya que captura un hogar único, expresivo y acogedor en el campo. Gilford, que pasó parte de su adolescencia en San Ramón, toma las riendas de formas inesperadas, reduciendo el drama para permitir un final más liberador y genuino que también sirve como el comienzo del nuevo camino que Dylan está dispuesto a recorrer. Véala en el cine; es una preciosidad de contemplar. Detalles: 3 estrellas; se estrena el 12 de julio en el AMC Kabuki de San Francisco; se expande a más cines la semana siguiente.
Comuníquese con Randy Myers en soitsrandy@gmail.com.
